В театре год измеряется не с января по декабрь, а с сентября по июль.
На разных площадках по-разному. Но к середине июля жизнь замирает уже на всех сценах. Труппы уходят в отпуск. А в августе потихоньку начнут репетировать новые спектакли и готовиться к жаркой осенней поре. Самое время попытаться подвести итоги сезона и вспомнить, чем пять драматических театров Самары и Новокуйбышевска радовали, удивляли и огорчали нас в прошедшие месяцы.
Главная драматическая сцена Самары — академический театр имени Горького — в прошедшем сезоне выпустила четыре премьеры от трех режиссеров.
В декабре Сергей Грицай представил вниманию публики мюзикл по повести Александра Пушкина «Барышня-крестьянка». Известный по музыкальному спектаклю «История лошади», принесшему театру «Золотую Маску» (актер Владимир Гальченко получил ее за роль Князя), режиссер в данном случае решил соединить красоту русской природы, очарование фольклора и утонченность дворянского быта. Однако спектакль выглядел в большей степени пародией на классику и набором комических номеров.
В феврале на самарской сцене состоялся театральный дебют кинорежиссера Теймураза Эсадзе. Пользовавшаяся бешеным успехом в советское время пьеса «Мой бедный Марат» Алексея Арбузова и в наши дни не сдает позиций. Лирическая, трогательная и местами смешная история о взаимной любви и преданной дружбе троих подростков, переживших блокаду Ленинграда, повзрослевших и не потерявших друг друга в этом большом мире шла, например, в «Самарской площади». Теперь, в год 75-летия снятия блокады, появилась и на сцене театра драмы имени Горького.
Фото: Самарский академический театр драмы им. Горького
Вынести тяготы войны втроем ребятам оказывается легче. А вот разделить на всех поровну любовь — очень непросто. Лика в исполнении Наталии Прокопенко под чутким руководством решительного Марата (Денис Евневич) постепенно становится такой же сильной и смелой. А вот Леонидик (Петр Жуйков) поднимается до их уровня постепенно, он склонен больше рефлексировать и жаловаться, чем действовать.
Спектакль производит впечатление скорее иллюстрации к тексту. Артисты добросовестно разыгрывают перед нами написанную драматургом историю. А вот режиссер здесь не виден, и вопрос, почему постановщик обратился именно к этому тексту и что хотел сказать, остается открытым.
В этом сезоне Эсадзе представил на самарской сцене еще одну премьеру — «Три сестры» по одноименной пьесе Чехова. К этому спектаклю режиссер, по его словам, шел не один десяток лет. Текст для него содержит много личных моментов и увлекательных загадок. Вокруг одной из своих находок — герои живут не в реальности, а в мире текста — автор вместе с художником Кириллом Даниловым выстроил всю концепцию сценографии. Действие происходит среди огромных, до потолка, стопок гигантских книг. То есть персонажи буквально живут в книжном мире. К сожалению, дальнейшего развития эта идея не получает. В отношениях между героями не прослеживается логики, в их поступках — психологизма. Да и внешне многие из них напоминают картонных кукол.
Второй свой спектакль на сцене академического театра драмы имени Горького представил его новый главный режиссер — выпускник Санкт-Петербургской государственной академии театрального искусства (курс Вениамина Фильштинского) Михаил Лебедев. Год назад зрители увидели его версию «Роковой ошибки» Михаила Рощина, в этот раз он обратился к рассказам Василия Шукшина.
Фото: Самарский академический театр драмы им. Горького
Простота предложенных обстоятельств выражена на сцене минимальным количеством декораций (художникпостановщик Наталья Чернова). Деревянные дощатые стены, четыре некрашеные скамейки да эмалированное ведро с водой. На этом фоне становятся заметнее предметы, вокруг которых разгораются нешуточные страсти: будь то невиданные сапоги, которые муж вдруг решил купить жене, или микроскоп, ставший смыслом жизни для другого героя. 12 молодых артистов на сцене воплощают персонажей пяти рассказов Шукшина. В последнем, шестом, появляется патриарх самарского театра драмы — народный артист России Владимир Борисов.
Как в калейдоскопе, где из одних и тех же стеклышек складываются разные узоры, режиссер, жонглируя одними и теми же артистами, рассказывает самые разные истории. Обходясь практически без переодеваний, исполнители примеряют различные образы, приятно удивляя зрителей. Вопросы смысла жизни, над которыми Василий Шукшин рассуждает во многих своих рассказах, Лебедев показывает зрителям с разных сторон. Следя за развитием сюжета в мини-историях, публика вслед за писателем и режиссером начинает мучительно искать на них ответ. Не в этом ли главный смысл существования театра?
В ожидании открытия новой сцены «СамАрту» сложно утвердить график выпуска премьер.
В октябре свою вторую режиссерскую работу (после «Сказок Пушкина») выпустила молодой режиссер, выпускница курса Анатолия Праудина при театре Татьяна Наумова. Вместе с хореографом Павлом Самохваловым она создала пластический спектакль по мотивам знаменитого романа «Книга джунглей» Редьярда Киплинга.
Костюмы, на создание которых художника Марину Евдоченкову вдохновили коллекции Едзи Ямамото, пленяющие полуживотные-получеловеческие танцы, условность быта — все это создает неповторимый и завораживающий визуальный образ постановки. «Маугли» был признан лучшим спектаклем 2018 года и получил главную награду премии «Самарская театральная муза».
Педагог Наумовой вместе со своим другим учеником — Алексеем Елхимовым — представил самарской публике спектакль «Одиссея». Неоднократно повторяя, что взял для работы православный перевод Жуковского, Праудин отводит ему не так уж много места. В полуторачасовом спектакле «Одиссея» много живой музыки — за нее отвечает лидер группы «Контора Кука» Владимир Елизаров. И действия, которое почти всем своим весом ложится на плечи исполнителя главной роли и соавтора постановки Елхимова.
Фото: театр «СамАрт»
Диалог богов и людей — отражение главного конфликта истории. На повторяющееся рефреном «За что?!» звучит постоянный ответ: «Странно, как смертные люди за все нас, богов, обвиняют». Печальный марафон Одиссея — продолжение темы, начатой в первой части праудинской трилогии. В спектакле «Донецк. 2-я площадка» герой также в поисках лучшей жизни обрекает себя на муки. Он лишен возможности выбраться из исторического и политического капкана, и все его существование сведено к попытке поддержать в себе тление жизненных сил.
Необычный и экспериментальный спектакль вошел в репертуар театра «СамАрт». В ближайшее время его можно будет увидеть в рамках фестиваля «Золотая репка».
В ноябре в театре-студии «Грань» состоялась премьера второй части режиссерского триптиха Дениса Бокурадзе. За средневековыми фарсами «Корабль дураков» последовали интермедии Сервантеса «Театр мудрого Дурачины». Постановщик исследует в спектаклях понятия счастья, смысла жизни и, конечно, любви. Причем во всех ее проявлениях. Первая часть трилогии была посвящена любви плотской, земной, вторая — платонической, возвышенной.
На лицах актеров — маски, что подчеркивает чувства героев, делает их более видными для зрителей, как круги, расходящиеся по воде. Преувеличенное, масочное чувство — как раз то, чего публика ждет от комедии дель арте. Их танцы позволяют заполнить пространство между историями и дать возможность преобразиться исполнителям главных ролей — Сергею Позднякову и Юлии Бокурадзе. Они на сцене без масок, но многочисленные персонажи, в которых они превращаются в течение одноактного спектакля, имеют разные лица. Молодые и старые, бедные и богатые, красивые и пугающие, они все объединены одним чувством — любовью. Просто одни из них готовы посвятить всего себя, все свое время служению объекту страсти, а другие, успев разочароваться, пытаются убедить себя и окружающих, что утратили чувства.
Фото: театр «Грань»
В финальной, заглавной интермедии любовь возвышается до самого удивительного своего объекта приложения — искусства. Музыкальный атрибут — скрипка — сопровождает самого страшного персонажа спектакля — смерть. В финале она замирает, повиснув на стене. Неподвижна настолько, что становится непонятно: это человек или кукла? Неприятный холод пробирает до костей, когда щупальца постепенно уползают, оставляя висеть скрипку — символ вечного искусства.
Вторая премьера в «Грани» состоялась в феврале этого года. «Манкурт» — дебютная работа на новокуйбышевской сцене Виктора Трегубова. К первоначальной идее Анастасии Шабровой сделать хореографическую постановку об отношениях мужчины и женщины добавился режиссер. Потом литературная основа — легенда о манкурте из романа Чингиза Айтматова «И дольше века длится день». Трагическая история о пленниках, которых племя жуань-жуанов жестокими пытками лишает памяти, воссоздана на сцене посредством пластики и речи рассказчика. Вернее — рассказчицы.
Фото: театр «Грань»
Центральный женский образ в спектакле создает Екатерина Кажаева. Молодой актрисе удивительно точно и ярко удается передать сильные эмоции матери. «Манкурт — всего лишь внешняя оболочка, чучело прежнего человека», — достаточный довод для соплеменников, чтобы не заботиться о судьбе попавших в плен родных. Арсений Плаксин воплощает на сцене этот образ тонкими средствами: отсутствующий взгляд и кажущиеся случайными движения дают ясное представление об эмоциональной пустоте манкурта. Короткий спектакль (около полутора часов) оставляет ощущение глубины и наполненности. Трагическая легенда о силе материнской любви не опускает зрителей в бездну страдания, но позволяет возвыситься до понимания безграничности возможностей человеческого духа.
В октябре «Самарская площадь» вновь обратилась к современной драматургии. Художественный руководитель театра Евгений Дробышев часто балует зрителей знакомством с актуальными авторами. В репертуаре есть тексты Вырыпаева, МакДонаха, Слаповского, Гришковца. На этот раз здесь поставили пьесу Дмитрия Данилова «Человек из Подольска», которая сейчас идет во многих театрах страны.
Абсурдная история о том, как главного героя забирают в отделение полиции, где ему самыми разными способами — от интеллигентного убеждения до агрессивного запугивания — пытаются привить любовь к Родине. А также пробудить в рядовом гражданине гордость за свой маленький город, за свою страну, за газету, в которой он работает, за девушку, с которой встречается, за музыку, которую пишет.
Фото: Светлана Келасьева
У спектакля обозначены два автора: постановщик и сценограф Евгений Дробышев и режиссер Виктор Трегубов. Идея драматурга о том, что наша жизнь полна простых маленьких радостей, преподносится со сцены пресно и формально. Служители закона, ведущие работу с населением, похоже, сами скучают и не производят впечатление жизнерадостных людей. А внезапно возникающие танцы и вставные гэги вносят в сценический текст больше сумбура, чем веселья. В апреле театр обратился к классике отечественной литературы — «Ревизору». Приглашенный постановщик из Санкт-Петербурга Роман Габриа тщательно грунтует текст Гоголя, чтобы написать сверху свой. На его полотне находится место и традиционным режиссерским приемам (красный лоскуток символизирует кровь, черная фата — подневольность невесты и так далее), а также оригинальным и ставящим в тупик образам. Можно долго строить догадки, почему Пушкин, возникший в рассказе Хлестакова, скачет по сцене бабуином. Или почему Земляника говорит с акцентом и носит на голове окровавленные бинты.
Центральной фигурой спектакля неожиданно становится Осип. В трактовке петербургского режиссера это не просто слуга, а альтер эго Хлестакова, движущая сила развития конфликта, «тот, кто вечно хочет зла и вечно совершает благо». Драматургия его отношений с Хлестаковым не линейна. Он то руководит и угнетает лжеревизора, то помогает и подчиняется ему.
Габриа предложил театру «Самарская площадь» поставить «Ревизора», поскольку давно хотел поработать с произведением великого классика XIX века. В результате на сцене получился своеобразный «весь Гоголь за один вечер» и, в силу избыточности режиссерской мысли, путаная и нелогичная история.
В апреле «Камерная сцена» к 125-летию со дня рождения Исаака Бабеля выпустила по мотивам его рассказов спектакль «Король». Он стал второй частью дилогии. «Первая любовь», премьера которой состоялась год назад, рассказывала сентиментальную историю любви и романтических мечтаний юного гимназиста Сашки. Вторая часть в большей степени дает представление о художественном мире писателя. Режиссер и автор инсценировки Софья Рубина сплела в единый сюжет шесть рассказов Бабеля, переведя в прямую речь насыщенную юмором и поэтическими образами прозу.
Фото: театр «Камерная сцена»
Наполненный шутками и неповторимым колоритом одесского языка спектакль пролетает быстро. Конечно, в рассказе о смутном времени начала ХХ века нельзя обойтись без трагедии. Минорные ноты в конце вызывают ощущение грусти не только у зрителей, но и у главного героя — Александра, выросшего юноши из первой части дилогии.
Культура
Культура
Культура
Комментарии
0 комментариев